世界上近代最有名的设计师有哪些举出10个

卡尔·拉格菲尔德、三宅一生、瓦伦蒂诺·加拉瓦尼、川久保玲、华伦天奴、高田贤三、山本耀司、克里斯汀-迪奥、亚历山大·麦昆、乔治·阿玛尼。

1、卡尔·拉格菲尔德

卡尔·拉格斐（1933年9月10日-2019年2月19日，KarlLagerfeld），出生于德国汉堡市，德国著名服装设计师。

人们称他为“时装界的凯撒大帝”或是“老佛爷”。2013年11月因涉嫌歧视胖子的言论被法国女性团体起诉。

说起卡尔·拉格斐，脑海里的第一反映永远是Chanel的艺术总监招牌式的表情，佩戴着墨镜，手拿抓扇、脑后拖着辫子，就是这永恒的墨镜白发长辫的人却占领时尚圈制高点。

他永远像“吃饱人参”一样精力旺盛，精通德、英、法、意文，妙语连珠，他情迷传统，又憧憬未来，被传媒封为“当代文艺复兴的代表”。

2019年2月19日，卡尔·拉格斐逝世，享年85岁。

2、三宅一生

三宅一生（1938年4月22日－），1938年4月22日出生，日本著名服装设计师，他以极富工艺创新的服饰设计与展览而闻名于世。

其后创建了自己的品牌，它根植于日本的民族观念、习俗和价值观，成为知名的世界优秀时装品牌。

3、瓦伦蒂诺·加拉瓦尼

Valentino（瓦伦蒂诺·加拉瓦尼登），这位以富丽华贵、美艳灼人的设计风格著称的世界服装设计大师，用他那与生俱来的艺术灵感，在缤纷的时尚界引导着贵族生活的优雅，演绎着豪华、奢侈的现代生活方式。

他经营的Valentino瓦伦蒂诺品牌以考究的工艺和经典的设计，成为追求十全十美的社会名流们的忠爱。

他出色的成就被世界时装界公认为雄居于包括法国的圣·洛朗、皮尔·卡丹等人在内的世界八大时装设计师之首。

具传奇色彩的时装大师ValentinoGaravani与他的商业伙伴GiancarloGiammetti于1960年创立了Valentino。

以ValentinoGaravani命名的男女配饰系列，包括：手袋，皮鞋，小型皮具，腰带以及手饰。高级订造服的设计细节亦可见于凡此精美配饰系列，且多属手工制造。

Valentino的经典元素如花卉图案、蝴蝶结和蕾丝亦予重新诠释，令极富现代感的Valentino配饰更优雅精致。

4、川久保玲

川久保玲（かわくぼれい，英文：ReiKawakubo，1942年10月11日－）是一位日本的服装设计师，出生于东京，毕业于庆应义塾大学。1973年，她在东京建立了自己的公司，并向世界展示了一种革命性的新型穿衣方式。

1980年代前期，她以不对称、曲面状的前卫服饰闻名全球，受到许多时尚界人士的喜爱，从那开始，她就一直在为实验而奋斗，永远创造着比时装界流行超前得多的原型和概念服装。

此外，日本的知名服装设计师当中，川久保玲是少数几个未曾到国外留学，而且未曾主修过服装设计的特殊设计师。

5、华伦天奴

卓凡尼·华伦天奴（GIOVANNIVALENTINO），著名时装设计师，出生于意大利那不勒斯市（NAPLES），为世界顶级名牌[华伦天奴]始创家族之第三代继承人。

6、高田贤三

高田贤三（1939年2月27日－），生于日本兵库县姫路市，日本时尚设计师。著名时尚品牌Kenzo（包括香水，化妆品及时装）的创始人。

高田贤三这位法国籍的日本时装设计师用自己的名贤三命名的KENZO品牌，已经不仅仅是时装业的精品，在化妆品、香水领域也是大名鼎鼎。

KENZO的时装不是那种标新立异的拔高，它有一点点传统，有许多热情的颜色，有活生生的图案，还有几分狂野。几乎每一款都能找到实际穿着的场合，但吸引力之强却使你绝不厌倦。

在云集中提到：高田贤三还是青年的时候，他远赴巴黎开始他的国际时装设计师生涯，他有备而来，已经在日本对服装有了深入的研究，虽然，他设计的服务对象从东方人转为西方人，但丝毫没有碍障，而从此，他开始了不以国界为设计范畴的国际性工作。

7、山本耀司

山本耀司，1943年出生于日本，日文名YohjiYamamoto，是世界时装日本浪潮的设计师和新掌门人。他以简洁而富有韵味，线条流畅，反时尚的设计风格而著称。

8、克里斯汀-迪奥

克里斯汀·迪奥（ChristianDior），1905年年出生于格兰维尔，是一名设计师，也是迪奥的创始人，毕业于科学政治学院。1957年不幸卒于心脏病。

9、亚历山大·麦昆

亚历山大·麦昆（AlexanderMcQueen，本名：LeeAlexanderMcQueen，1969年3月17日－2010年2月11日），出生于伦敦，英国著名服装设计师，有“坏孩子”之称，被认为是英国的时尚教父。

1991年，进入圣·马丁艺术设计学院，获艺术系硕士学位。1992年，自创品牌。1993年起相继在英国、日本、意大利等国的服装公司工作。

在伦敦的一次时装展中被《Vogue》的著名时装记者IsabellaBlow采访报导，使他从此走上国际舞台。1994年，担任圣·马丁艺术设计学院的裁缝教师。

1996年，为法国著名的“纪梵希”(Givenchy)设计室设计成衣系列。1997年，取代JohnGalliano担任Givenchy这法国顶尖品牌的首席设计师。

1998年，他设计的“纪梵希’99春/秋时装展”在巴黎时装周上获得一致好评。他在1998年里为影片《泰坦尼克号》的女主角扮演者凯特温丝莱特设计了她出席奥斯卡颁奖晚会的晚装。

2010年2月11日，AlexanderMcQueen在伦敦家中自缢身亡。

10、乔治·阿玛尼

乔治·阿玛尼（GiorgioArmani），是一位著名的意大利时装设计师。出生于意大利皮亚琴察，学习过医药及摄影，曾在切瑞蒂任男装设计师，1975年创立乔治·阿玛尼公司。

现在已成为时装界最响亮的品牌之一。曾获奈门-马科斯奖、美国国际设计师协会等奖项，曾在14年内包揽了全球30多项服装大奖。

2018年12月，世界品牌实验室发布《2018世界品牌500强》榜单，乔治·阿玛尼排名第367。

参考资料来源：百度百科——卡尔·拉格菲尔德

参考资料来源：百度百科——三宅一生

参考资料来源：百度百科——瓦伦蒂诺·加拉瓦尼

参考资料来源：百度百科——川久保玲

参考资料来源：百度百科——卓凡尼·华伦天奴

参考资料来源：百度百科——高田贤三

参考资料来源：百度百科——山本耀司

参考资料来源：百度百科——克里斯汀·迪奥

参考资料来源：百度百科——亚历山大·麦昆

参考资料来源：百度百科——乔治·阿玛尼

盘点那些有日式情结的时尚设计师……

Dior男装，2019早秋系列

在网络时代，人们有丰富的渠道获取知识和信息，设计师们也从来不缺灵感来源。但唯独有一处灵感从未改变，并且长久以来魂牵梦萦着大部分时尚设计师，那就是日本的艺术文化。

Dior设计师们与日本的不解之缘

去年年底，迪奥男装2019早秋时尚秀在日本东京顺利举行。除了设计师KimJones及其团队带来了极具未来感的成衣系列外，此次大秀还与日本艺术家空山基（HajimeSorayama）有颇具看点的合作。

Dior男装，2019早秋时装发布会现场

喜爱日本艺术的朋友应该对空山基有所了解。他于1978年用画笔描绘出了第一个美女机器人，从此确立了自己的绘画主题及独树一帜的视觉风格。他对人体多年的研究以及丰富的想象力，使他能将艺术与概念完美结合并表达出来。

空山基作品

此次与迪奥合作，空山基不仅专门为其打造了一尊刻有迪奥标志的巨型金属女机器人作为整场秀的主体装置，他还将绘画作品制成本季的印花图案，与此次的成衣设计相结合。

空山基本人身着迪奥男装新款外套

空山基说：“迪奥花了35年才追上我。”他的作品确实一直走在前沿，属于未来。既带有传统绘画技巧，又结合现代艺术风格的作品，似乎正与迪奥男装的理念不谋而合。

迪奥传统制衣工艺与艺术家前卫的印花结合，使有金属质感的成衣面料更具一丝未来感。除此之外，衣服上一簇簇盛开的樱花图案与其作品遥相呼应，更让观者直观地感受到一丝来自日本自然环境中的朝气。

Dior男装，2019早秋系列，设计师KimJones作品

除了主要的印花，设计总监Kim更是在配饰以及整体色调上下足了功夫，以全力配合这次主题。此次参与首饰设计的设计师刚好就来自日本，她将日本机器人身上的元素运用其中。而设计师以灰色、金属色作为此系列的主色调，更为该系列增加了些许科技感。

值得一提的是，迪奥创意总监Kim本人也是日本艺术迷，去日本的频率堪比回家。除此之外，迪奥诸多创意总监以及迪奥先生本人都曾大量使用过日本元素。

Dior女装，1953年的发布会海报

Dior先生童年时期家中的日式风格画卷

创始人迪奥先生不但家境优渥，从小对艺术耳濡目染，而且还有一位钟爱日本艺术元素的母亲将东瀛风引入家中。迪奥先生曾这样回忆：“绘有日本版画作品的巨幅护墙板一直从楼梯铺陈至屋顶，喜多川歌麿（KitagawaUtamaro）和葛饰北斋（KatsushikaHokusai）的浮世绘作品装饰着我的西斯廷教堂，我常常驻足膜拜，一看就是几个小时。”

果不其然，迪奥先生成为时装设计师之后，在1953年便专门来到日本，发布了第一个以日本为灵感的高级成衣系列。此后，他也时常从日本和服等其它方面提取元素，融入新设计之中。

Dior女装，1953秋冬高级定制，JardinJaponais，设计师ChristianDior作品

这件名为“JardinJaponais”的浅粉色高级定制裙上的图案设计，就是汲取了日本传统绘画作品为灵感源。该裙子的中文叫“日式花园”，仔细看上面的樱花飞鸟图案，是否不经意间就联想到了迪奥家中大量精美的日本花鸟图呢？

迪奥先生逝世后，品牌被LVMH公司收购，唯一没有改变的是历任设计师设计服装时对日本元素的热衷运用。比如2007年，品牌时任设计师JohnGalliano在迪奥的春夏时装秀上就沿用了日式美学，他更是将京都表演艺术家——艺伎，作为灵感缪斯。

Dior女装，2007春夏高级定制系列，设计师JohnGalliano作品

当时，Galliano及其团队在成衣和妆容上对东瀛风的狂热表达得淋漓尽致，他运用了几乎所有钟爱的日本元素——浮世绘、和服、日式建筑、花道，甚至是日本折纸技艺。

不同于Galiano狂野外放的表达方式，一向擅长极简主义风格的另一任设计师RafSimons则用内敛的方式与日本艺术元素来了一次亲密接触。

Dior女装，2013秋冬高级定制，设计师RafSimons作品

Raf不仅喜爱传统的日本文化，也对日本现代艺术颇感兴趣。从他设计中的细枝末节处可以看到一些日式庭院的影子，而干净利落的廓形可使人感受到一股年轻的东京都市女郎气息。

转眼到了现任迪奥女装总监MariaGraziaChiuri这里，她依然对日式美学念念不忘。她将与迪奥先生相同的“日式花园”作为主题，却传递出了不同内涵。她在延续优雅风格的同时更注入了一股从女性视角出发的新设计力量。

Dior女装，2017春夏高级定制，设计师MariaGraziaChiuri作品

对日本念念不忘的LV创意总监

一谈起设计师对日本的爱，那就不得不提起另一位设计师——LV创意总监NicolasGhesquière。他曾在Instagram上写道：“与日本的爱情故事是无止境的。”而他目前也确实两度以日本艺术文化为创意灵感进行设计。

LouisVuitton，2016春夏海报

除了刚上任就将日本著名电子游戏《最终幻想13》的主角作为模特放上宣传海报以外，他另一个以日本为出发点的设计是在2017年，一个向日本设计师山本宽斋（KansaiYamamoto）致敬的系列。

LouisVuitton，2018早春度假系列，设计师NicolasGhesquière作品

此次LouisVuitton酷劲十足的成衣设计，融合了日本武士的铠甲与剑道元素。除此之外，最大的亮点便是在包袋配饰上。品牌推出了以山本宽斋作品为灵感的全新印花包袋——SuperKansai。模特们拿在手上的包与脸上日本歌舞伎般的夸张妆容相得益彰。

LouisVuitton，2018早春度假系列

实际上，前任设计总监MarcJacobs也曾多次与日本艺术家如村上隆、草间弥生等进行过令人印象深刻的合作，品牌的日式情结可见一斑。

LouisVuitton与草间弥生合作

LouisVuitton与村上隆合作

不难看出，日本艺术在世界范围内均展现了它的无穷魅力，机器美人的赛博朋克与樱花转瞬即逝的物哀美学融合在一起，使得许许多多的设计师都为之倾倒。它不仅满足了人们对东方幻梦的向往，更为现代设计作品提供了多元的可能。

精彩回顾：

追完《大江大河》不过瘾？于细节处看艺术中的80年代！

中国山水画里的人为何这么小？他们都在做什么？

媚俗=low吗？媚俗艺术到底好不好？

[编辑、文/陈卓]

介绍一位日本设计师

原研哉，日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学教授。设计领域泛，于长野冬季奥运开、闭幕式节的节目纪念册和2005年爱知县万国博览会的文宣设计中，展现了深植日本文化的设计理念。在银座松屋百货更新设计中，横跨空间到平面实践整体设计的方向。在梅田医院指示标志设计画中，则表现出触觉在视觉传达中的可能性。

另于“建筑家们的MACARONI展”、“REDESIGN——21世纪日常用品再设计展”中担任总策划，让大家能从日常生活的观点中获得启发。日常用品再设计展目前也正在世界巡回展出中，此展获颁全世界IndustrialDesignBiennale大赏，以及2000年度每日设计赏等。2004年在北京奥运会会徽的征集中获得了第八名"搏动的行星，2005年宁波国际海报大赛中作为日本设计界的泰斗设计原研哉创意奖

这个是资料，来自搜索的参考，是我最喜欢的设计师。

我以前写过他的一个评论：

http://www.douban.com/review/1099856/

设计中的设计

2006-12-1322:25:36来自:luluinwater(天津)

设计中的设计的评论*****

提要：什么是设计概论以及大师眼中的设计／概论是什么。如何把握形式与功能的天平以及历史上形式与功能的简要分析，对现代设计中形式和功能的平衡的简要分析。作为设计者，应该以何种态度去看待形式和功能之辩。

借用原研哉之题，在短短的篇幅中，却不能真正地说些什么。大师用毕生经历，总结设计理论，最后所得到的，往往是无数分岔道理上的一条，而不能真正得以艺术设计的全貌。不仅设计如此，其他学科也一样。

可以打一个并不完全恰当的比方。概论思想之类，是食物里的盐，而实践运用，具体过程，是菜品本身。没有不加盐而显得美味的菜，但是脱离实践，空谈盐的美食，也显得荒谬。大学课堂不是技术培训中心，大学所培养的人才，不是技工，而是能够独立思考的，具有独立人格的人。大学对于设计者的培养目标也应该如此。但是实际上，并不是开设一门专门教授独立思考的课程，就能够使得学生变得具有独立思考和卓越的设计感觉。所谓设计概论，是一些广泛和集中的理论，但是正是因为它仅仅算是盐，因此它并不具备理论的系统性和实践性。

原研哉说设计，从工艺史说到现代主义，话锋一转，开始说re-design，把话题聚焦到设计者该如何去重新反省，去考虑设计本身，而不是非设计的其他因素。讨论的实质在于，该如何去把握设计者和设计品的微妙联系。设计中的设计，是设计者超越自我，超越世界历史，把所有界限抹除，重新再来。无印良品不仅仅以其风格上的微弱特征区别于其他产品，还以其对人和产品真正的思考，把设计推崇到了更高的程度。张永和说设计，说的是建筑，把建筑化为人和空间，人和人的关系去解读，从他《作文本》中的第一个例子开始就开始解构现实，把建筑幻化为关系公式，用"得到什么，因此怎样"的逻辑，去重新设计建筑。王受之说产品，说建筑，说平面，讲了很多历史的东西，讲设计历史变迁，无数风格潮起潮落，那么究竟什么才是不变的永恒呢？他给出了不止一个答案，在设计中，也不可能出现仅有一个答案的可能性。矶崎新说设计，谈未来世界是废墟，说流言城市，相信他不仅仅精通于后现代主义的建筑，更精通于卡尔唯诺的小说《看不见的城市》。大师提出观点，不断被推崇的新思路，就好像迎风大旗，等人远远地观望。究竟是不是应该接受，该如何接受，何尝不是一门学问。

还是回想起美术史序言中的一句话，说理论之路，长而又长，没有速成的方法，也没有速食的思想。例举许多理论上的东西，不是让人变成老学究。而是在于，在坎坷曲折道路之中，能够让人看到前人辛勤一生的所得过程，去记住前人的脚步，在于引导自己的路子，少走弯路，找到捷径新途。设计概论，也是如此的意义。在我眼中，设计中的设计，就是在于规划设计思路，整理前进的姿态步伐。

功能到形式，伪实用主义的危险

在整个设计史中，功能与形式的重视程度，一直是以波形来回摇摆：水晶宫的机器世界最后引发了工艺美术运动，形式被推崇到及至之后又是反对多余形式，认为装饰是罪恶的现代主义设计。流线型设计开始把功能和形式做了某种程度的统一：为了功能的实现，形式上必须有所改变。而形式上的改变，恰恰不是为了装饰，而是为了更好地实现功能。充满未来感的流线主义设计是革命中的一个及至例子，一场功能与形式的革命，到了一个程度之后，开始慢慢地走向折衷和后现代主义。

因此，回望功能与形式在历史上发展的趋势，我们可以对我们的时代作出一些关于功能与形式关系的预测。我们所处在的时代，是转折性的时代，是人类的第二个千年，如果按照环境承受的角度来说，人类将会在第三个千年，用尽世界上所有的资源，并且按照正常繁殖的速度，使得自身的质量超过地球质量。也就是说，我们所处在的是一个理论上的转折点。新材料必须不断地被开发出来，新材料的开发，必定带来更多的形式上的可能性。而原先存在的可能性，尚未退出历史的舞台。功能与形式的概念和重要程度，是在这时候不断模糊，不断清除彼此的界限的。没有存形式的工艺品，也不存在仅仅具有功能的产品。信息、观念、材料，化作最小的元素，被有序无序地挑选组合，进入日常生活的每一个部分。在这个时候，无法单独地把某个设计品的功能和形式做出剥离。

也就是说：和以往不同，在当代我们已经无法去单独地去说，某个设计品完成了某种形式，或者说它具备了某种功能。因为品类的增加，使得选择性不断地加大，任何一个产品，都可以具备无数的可能性，并没有标准的答案。和曾经资源匮乏的时代相区别，在这个时代里，装饰不是罪恶；与畏惧科技的时代相比，人机界面的不断发展，以及生产方式的发展，使得人和机器的关系，不是更加疏远，而是更加地亲密起来。手工感和工业感的东西，在承载合适的功能的时候，他们的位置和价值几乎是一样的。

题目中所说的伪实用主义，就是一种真实存在的，对于现代主义的迷信所导致的设计错乱。许多人认为功能至上，形式次之。但是，在他们的辞典里，把功能的定义框在一个非常小的框架里，仅仅认为功能就是使用功能。这种降格，把功能曲解为使用，看上去是一种人本的设计，实际上忽视的正是人的心理因素。就好比为了维持交通秩序，而干扰了交通安全。人的心理满足和人对设计品心里上的需求感，并不完全是由对产品的使用所达成的，形式上的多样性，使得人们的心里对同一实用功能产品有了多种的选择性，有了被以不同的形式所满足的可能性。伪实用主义，就是以形式上的单薄为主要特点，伪装了自己功能和形式上的弱点，化装为现代主义设计的一种方式。

我们在讨论设计品的时候可以按照所谓的适合模式去重新思考：我们需要达到的功能、我们可以通过形式所达到的功能、我们需要什么样的功能、什么样的形式能够适合我们的功能的达成。这些设问，都是对即将被设计的产品，做出规划和思考的一种方法。在真正的设计之中，只有适合的：适合产品、适合受众、适合传播与适合表达，而没有什么形式功能的小心权衡。

意大利设计，被称为自成风格的设计，为什么能够在整个设计史上占据如此的地位？在资源匮乏的年代，意大利家具设计用塑料做奢华品，在丰饶富强的时代，意大利人用新材料做新东西。保留了时代与民族的气息，达成了功能使命的设计品，显得人性，从容。意大利设计师提出了新理性设计，把元素列入设计品中，所做出的产品是单纯的想法呈现，功能呈现，而不是单薄的无呈现的空白状态。

对于学生来说，一切要简单得许多，可以算作是一种总结和简化的思路过程：功能和形式的天平依然，但是对于真正的设计者而言，在设计的过程中，能够把握天平的平衡固好，但是更重要的不是天平的平衡，而是整个设计品是否是向人的，是否是真正解决问题的东西。设计师不是艺术家，艺术家仅仅要求呈现自我精神，而设计师要解决的是大众的问题，设计品就是大众在某个层面的问题集合，被设计师用大众所能够接受的一种语言来阐述，并且给出多种多样的答案。好的设计，不在于功能上的强大或者形式上的合适，而在于总体上是能够以适当的形式，满足适当的功能。这里所说的功能，不仅是使用功能，还有受众对于形式多样和生活变化的需求，以及时代对于形式和功能变换程度的需求考虑。

本间贵史,青山周平在日本属于什么水平的设计师

是非常非常厉害的设计师。但不是大神级别的人物。

本间贵史和青山周平的设计都很人性化。但对于建筑界的大神们来说，人性化的格局还是小了点。要有点“神性”或者“灵性”。

本间贵史是日本人气建筑翻新节目《全能住宅改造王》里以建筑匠人身份出演8次的日本一级建筑师。他是在日本举行了330次以上演讲的人。

本间贵史是日本新泻人，1966年出生。

三四岁的时候，当别的孩子连笔都握不稳的时候，本间贵史已经画了自己梦想中的房子——房子的负一楼是一个很大很大的体育馆。这是他人生中最早的“设计产品”，正是这个画作，在他心里埋下了“设计种子”。

14岁（初二）的时候，本间贵史上语文课，课题是《我的未来像》，问学生们未来的人生目标是什么，要成为怎么样的人？——这等于我们语文老师布置作文：我的将来。

那是本间贵史有生以来第一次认真思考未来人生的事情。在那之前，想做警察、想做老师之类的念头，他也有过，但并没有很认真地思考过。

为了写好那篇作文，他还去图书馆查阅了很多关于介绍各种各样职业的书。当他看到建筑设计师介绍的时候，他被深深地吸引住了。

一种声音在本间贵史的内心响起：“我想要成为建筑家”。真正苦恼地思考了一番后，本间贵史决定听从内心，走上了成为建筑家之路。

之后到高中，到大学，学生时代，本间贵史再没有离开过这个目标，最终他实现了梦想：成为了著名建筑家及设计家。